Arquivo de arte Artista destacado: Lawrence W. Lee

Coñece o artista do arquivo de arte. Un verdadeiro orixinal, máis coñecido polas súas imaxes chamánicas distintivas, Lawrence pinta para os fans da arte do suroeste desde o seu estudo en Arizona. A súa marca forte e instantáneamente recoñecible non é casual. Este experto home de negocios entende o seu público e vai para satisfacer os seus gustos. A obra de Lawrence reflicte as cores e os temas do suroeste americano en toda a súa mística e maxia. Este enfoque intelixente e estratéxico da arte permitiu a Lawrence gañarse a vida unicamente como artista desde 1979, vendendo pinturas por millóns de dólares.

Unha fonte interminable de consellos sobre a carreira artística inestimable, Lawrence comparte como crea a arte que queren os compradores, xa sexa investigando coidadosamente a súa base de clientes ou evolucionando o seu estilo a medida que cambia o mercado.

Queres ver máis do traballo de Lawrence W. Lee? Visitalo.

1. IMAXES DE XAMÁN E IMAXES DO SUROESTE AMÉRICA NAS SÚAS OBRAS. DE ONDE TE INSPIRAS E COMO AFECTARON NO TEU ESTILO OS LUGARES QUE VIVISTES?

Vivín a maior parte da miña vida en Tucson, Arizona. Mudeime aquí cando tiña 10 anos e fun á universidade na Universidade do Norte de Arizona. Alí coñecín un pouco a cultura Navajo e Hopi. Cando era estudante de posgrao, o meu compañeiro de cuarto era un hopi que naceu en Second Mesa e aínda tiña muller e fillo. De cando en vez, el e máis eu subíamos á súa vella camioneta e percorremos as chairas do norte de Arizona a primeira hora da mañá con néboa polos lugares máis máxicos. A súa muller tivo a amabilidade de compartir comigo historias da tradición Hopi, como a historia da Muller Araña que ensinaba á xente a tecer. Non sei se esa foi a razón inmediata do que estou a facer, pero nunca esquecerei a sensación que me invadiu mentres atravesabamos estes tramos desérticos de estrada con mesetas roxas ao lonxe, como o primeiro ton dourado. do sol. comezou a invadir o noso entorno. A imaxe é tan forte que me quedou durante décadas.

Cando comecei a mostrar a miña arte, estaba a debuxar imaxes de persoas. Pensei que estaba a facer cousas xeniais, pero a xente das mostras de arte dicía: "Por que quero que alguén que non coñezo colgara na miña parede?" Por moito que eu argumente, non podía vender o cadro. Lembro -a través da bruma das décadas- que estaba no meu salón lamentando este triste estado de cousas e mirando unha foto de perfil dunha muller que recibín dunha galería. Estaba no suroeste, así que decidín engadir un pouco de suroeste á imaxe. Púxenlle a pluma no cabelo e levei o cadro de volta á galería. Vendido nunha semana. A lección deste incidente foi que, obviamente, en canto engadín algo como os indios americanos, a imaxe fíxose desexable. Decateime de que as persoas que veñen a Tucson, xa sexan de visita ou vivan, teñen moito que ver coa cultura dos indios americanos. Tiven que tomar unha decisión agora que descubrín que podía converter unha pintura non desexada nunha parte dunha cultura romántica que a xente podía levar a casa. Tiven que aceptar se quería seguir este camiño ou non, e decidín que pagaba a pena. Engadindo plumas, abelorios e colares de ósos, podía debuxar imaxes das persoas que quería debuxar, e parecíame un pequeno prezo a pagar. O equipo mellorou as figuras que fixen e converteuse nunha parte integral do meu pensamento sobre esas figuras, e non só nun medio para aumentar a venalidade. Levo moito diñeiro desde 1979 e vendín pinturas por millóns de dólares.

2. A MAIORÍA DO TEU TRABALLO É UN BORRÓN ENTRE O REALISMO E A ABSTRACCIÓN. POR QUE MESTURAS OS ELEMENTOS E COMO DESCUBRIDES O TEU ESTILO DIFERENTE?

Fun na universidade nos anos 1960, e nos 1960, se estabas a preparar o título de Licenciado en Belas Artes, espérase que fixeras traballos abstractos ou non obxectivos. A obra figurativa era percibida como anticuaria, non era o suficientemente moderna. Todo o que había que dicir sobre a figura humana xa estaba dito e xa non importaba. Debuxei da vida como todo o mundo, pero non fixen ningún traballo figurativo significativo porque me ridiculizaron na clase e non me licenciarían. Pero inmediatamente despois da graduación, recibín un encargo do bibliotecario xefe da Universidade do Norte de Arizona para facer seis cadros para unha nova biblioteca en construción. Acababa de rematar o meu bacharelato en artes e non tiña que preocuparme por agradar ao profesor, así que decidín facer imaxes figurativas baseadas libremente no poema Kubla Khan de Coleridge.

Ese foi o comezo, e creo que sempre tiven un carácter peculiar. Co paso dos anos, as figuras cobraron vida propia. Estruturalmente, convertéronse en figuras anatómicamente imposibles, que eu chamo case humanas. Hai pouco tiven a oportunidade de ver algunhas das cousas que fixen na universidade e pouco despois de graduarme. Quedei abraiado ao ver pequenos círculos, burbullas, verticilos, verticilos e figuras neles demasiado altas e con ombreiros demasiado estreitos ou demasiado anchos. Non tiña nin idea de que estas ideas estaban a filtrarse na miña mente artística hai tantos anos. Non sabía que estaba cantando a mesma canción todo este tempo, só engadindo novas palabras e novos versos.

3. QUE É ÚNICO NO TEU ESPAZO DE ESTUDIO OU PROCESO CREATIVO?

Adóitase dicir que a liña máis importante nun debuxo é a primeira, porque todo o demais está conectado a ela. Eu uso unha pequena vara de carbón de vide. A vide non se converte en cinza, senón que se fai unha vara de carbón cando se queima, se non hai suficiente osíxeno para a combustión completa. Usei outros materiais pero empecei a usar este na universidade. Eu úsoo para crear a primeira liña e ata o final do debuxo. Se alguén viñese pola noite e me roubara o carbón vexetal da vide, non sería capaz de pintar outro cadro. Esta é a ferramenta que mellor coñezo. Cando usas algo durante décadas, convértese nunha extensión de ti mesmo.

Cando as cousas cambian, como cando os fabricantes de lenzos cambian de provedores de algodón, ou cando estiran o lenzo de forma diferente ou usan unha imprimación nova, lévome semanas adaptarme e ás veces non podo. Ás veces teño que lixalo ou engadir máis capas de xeso. Durante anos usei o mesmo pincel, número e estilo para asinar o meu nome nos meus cadros. Foi unha extensión da miña man. Cando comecei a pintar de novo despois da miña xubilación, xa non atopaba eses pinceis. Levo dous anos pintando e aínda me custa escribir o meu nome porque o pincel xa non é o mesmo. Vólveme tolo. Tamén esbozo, usando un pincel seco que deixa un pouco de cor electrónica nos vales do tecido. Isto é realmente fregar, e cando fregas cun cepillo, perdes o significado. Desgasta. Os pinceis que máis me gustan son perfectos para min. Se tivese que comezar con cepillos puntiagudos que rebotan, non sería capaz de facer o que fago.

4. SERVES TANTO A COMPRADORES DE ARTE RESIDENCIAL COMO PÚBLICO. COMO AFECTOU A TÚA CARREIRA E COMO IRRUMPAS NA ARTE PÚBLICA?

A separación de público e privado na miña web é un deseño que decidín utilizar hai uns meses, a pesar de que as corporacións e empresas levan anos comprando o meu traballo. IBM comprou seis das miñas pezas a mediados e finais da década de 1970. Moitas corporacións e lugares públicos compráronos. Os compradores tiñan que ser moi valentes porque os meus cadros son intensos e enfrontados. Aprendín na universidade que non debes centrar a túa composición nin usar negro. Pero tiven que ignorar esas regras para poder facer o que estaba na miña cabeza: estas criaturas enfrontadas. Na década de 1970, cando a miña carreira despegaba, a miña principal clientela eran os promotores inmobiliarios rebeldes, moi ricos e moi obstinados do suroeste. Moitas veces compraban os meus cadros e colocaban o máis forte deles na súa mesa para aumentar o seu poder e intimidar a quen estaba diante da mesa. A principios dos anos 1980, houbo unha crise de aforro e crédito, como as crises bancarias que acabamos de vivir. A xente xogaba rápido e sen coidado coas regras. De súpeto, estes desenvolvedores multimillonarios quedaron sen un centavo e fuxiron do Departamento de Xustiza.

De súpeto, as miñas vendas case desapareceron. Pero eu sabía que o diñeiro non fora para ningures: outro tiña. E decidín que agora debería estar en mans dos avogados dos desenvolvedores. Entón pensei no que queren os avogados nos seus despachos. Quererán algo que mire cara a un futuro brillante e un gran asentamento. Fixen o mellor posible para satisfacer o meu desexo imaxinario por parte dos avogados e revertín os meus números. Debuxéinos por detrás. Podería facelo porque todo tipo de cerimonias indias implican traxes marabillosos. Claramente estaban esperando algo, e suponía que era un futuro brillante. En canto fixen iso, os meus cadros comezaron a venderse de novo. Despois duns anos e despois de que bastante xente me preguntara, recuperei os meus números.

5. POR QUE EMPEZAS A PINTAR PAISAXES E BODEGÓN DESPOIS DOS XAMÁNS PINTADOS CASE EXCLUSIVAMENTE?

As miñas pinturas son moi intensas e case todas teñen contacto visual de confrontación. En moitos casos, a xente non cre que sexan aptas para espazos públicos, polo que por primeira vez en 40 anos volvo facer paisaxes. Descubrín partes de min mesmo que tiven que reprimir mentres seguía unha carreira. Teño que convencer á xente de que está ben amar a Lawrence Lee, quen non é un indio case americano chamánico. Desde 1985 son artista e membro do Mountain Oyster Club privado. Foi fundada en 1948 por un grupo de mozos ricos xogadores de polo que decidiron que necesitaban ser propietarios do seu propio local. Encántalles a arte do suroeste, especialmente a arte de vaqueiros. Comezaron unha mostra de arte anual para recadar cartos, e tivo tanto éxito que atraeu a algúns dos mellores artistas e vaqueiros do suroeste. Se non tiñas traballo en MO, non eras nada.

Na década de 1980, a maioría dos membros fundadores deixaron ou faleceron, e un mozo estaba a decidir quen asumir o programa. Tiveches que entrar na liña de visión deste rapaz para que puidese chamarte e vir ao teu estudo. Neste punto, tomará a decisión final. Teñen un espectáculo anual que aínda é moi bo pero sobre todo traballo de vaqueiro. Pero o meu traballo sempre foi demasiado grande e demasiado raro. Nunca entendín por que decidiu deixarme entrar. Así que este ano decidín facer cousas moi especiais para a xente que vai ao Ministerio de Defensa cada ano. Fíxome pensar nas botas e nas espuelas. Teño que aplicar a miña capacidade artística a este tema en particular. En todas estas partes, tomo un subconxunto das formas máis grandes. Podo centrarme na parte inferior da bota, no estribo ou na parte de espolón da sela porque creo que si. Normalmente intento incorporar algunha disonancia cognitiva ao meu traballo, como unha burbulla ou unha bolboreta, e nunca sei o que vai pasar despois. Entrar neste campo foi unha decisión empresarial e naceu da crenza de que, ao final da miña carreira, podía pintar bos cadros que non fosen chamánicos.

6. A TÚA ARTE RECOLLÍSE POR TODO O MUNDO EN LUGARES COMO XAPÓN, CHINA E EN TODA EUROPA. QUE PASOS DOU PARA VENDER ARTE FÓRA DE ESTADOS UNIDOS E TER RECOÑECEMENTO INTERNACIONAL?

En xeral, non tiven que dar un só paso fóra de Tucson para facelo, porque este é un lugar para viaxeiros de todo o mundo por dereito propio. Arizona ten Monument Valley, Grand Canyon e Old Pueblo. Vén aquí xente de todo o mundo e quere levar algo de maxia a casa, polo que a miña arte é perfecta. Descubro por galerías ou amigos de amigos que un coleccionista estranxeiro ten unha das miñas obras. Alguén dirá: "Por certo, esta galería envía unha das túas obras a unha persoa de Shanghai". En boa medida, iso foi o que pasou. Tiven unha exposición individual en París, pero incluso iso foi porque unha deseñadora de moda de París que estaba de vacacións en Tucson púxose en contacto comigo porque quería mostrar o meu traballo alí.

7. ESTIVES A UN IMPRESIONANTE NÚMERO DE GRANDES EXPOSICIÓNS. COMO TE PREPARADES PARA ESTES EVENTOS E QUE CONSELLOS DAS A OUTROS ARTISTAS?

Unha cousa que moitos artistas non entenden é que a xente xeralmente quere mercar arte que vai vivir nas súas casas con eles. En áreas fóra de Nova York, Los Ángeles, Bruxelas, etc., se está a facer unha obra de arte conceptual de alto nivel que é unha declaración de devolución humana representada por vermes de escuma de goma suspendidos do teito sobre piscinas de bebés cheas de café edulcorado artificialmente. , Probablemente non atopes quen o compre para a súa casa. Debes entender que se queres gañar a vida facendo este tipo de cousas, tes que mudarte a unha cidade que acepte este tipo de arte. O meu consello: mira a túa arte coma se foses un posible comprador. Se fas isto, poderás entender moito.

Hai anos estiven mostrando en San Francisco e non podía vender nada. Estaba deprimido ata que pensei niso e fixen unha investigación exhaustiva. Descubrín que na maioría das casas propiedade de persoas que podían comprar o meu traballo, as paredes eran demasiado pequenas para iso. Se vivise en San Francisco, saberíao case instintivamente. Se eu vivo nunha casa vitoriana de tres pisos preto de Union Square, que tipo de cousas me gustaría poñer nas miñas paredes? En Tucson, a maioría da xente quere cousas con un toque do suroeste nas súas paredes, a non ser que naceran e se criaron en Boston e queiran traer os seus veleiros. É importante coñecer os lugares onde viven os teus potenciais compradores. Se es un posible comprador, que che gustaría saber do artista? Se tes preguntas sobre un artista, os teus potenciais compradores terán as mesmas preguntas sobre ti. Noutras palabras, faga todo o posible para descubrir o que queren os seus potenciais compradores e tenta darllo.

Queres organizar e facer crecer o teu negocio artístico e obter máis consellos sobre a carreira artística? Subscríbete gratis