Artistas americanos. 7 mestres que sorprenderon ao mundo

Os artistas americanos son moi diversos. Alguén era un claro cosmopolita, como Sargent. É americano de orixe, pero viviu en Londres e París durante case toda a súa vida adulta.

Tamén hai auténticos americanos entre eles, que retrataron a vida só dos seus compatriotas, como Rockwell.

E hai artistas fóra deste mundo, como Pollock. Ou aqueles cuxa arte se converteu nun produto da sociedade de consumo. Trátase, por suposto, de Warhol.

Porén, todos son americanos. Amante da liberdade, atrevido, brillante. Le sobre sete deles a continuación.

1. James Whistler (1834-1903)

A Whistler dificilmente se lle pode chamar un estadounidense de verdade. Ao crecer, viviu en Europa. E pasou a súa infancia... en Rusia. O seu pai construíu un ferrocarril en San Petersburgo.

Foi alí onde o neno James se namorou da arte, visitando a Hermitage e Peterhof grazas ás conexións do seu pai (daquela aínda eran palacios pechados ao público).

Por que é famoso Whistler? En calquera estilo que pinte, dende o realismo ata o tonalismo*, case inmediatamente pode ser recoñecido por dous trazos. Cores e nomes musicais pouco comúns.

Algúns dos seus retratos son imitacións de vellos mestres. Como, por exemplo, o seu famoso retrato "A nai do artista".

O artista creou obras sorprendentes usando cores que van dende o gris claro ata o gris escuro. E algo de amarelo.

Pero isto non significa que a Whistler lle gustasen esas cores. Era unha persoa extraordinaria. Podía aparecer facilmente na sociedade con medias amarelas e cun paraugas brillante. E aquí é cando os homes vestían exclusivamente de negro e gris.

Tamén ten obras moito máis lixeiras que "Madre". Por exemplo, Symphony in White. Así que a imaxe foi chamada por un dos xornalistas da exposición. A Whistler gustoulle a idea. Desde entón, chamou de xeito musical case todas as súas obras.

Pero entón, en 1862, ao público non lle gustou a Sinfónica. De novo, por mor dos esquemas de cores idiosincráticos de Whistler. Parecía estraño á xente escribir unha muller de branco sobre un fondo branco.

Na imaxe vemos á dona pelirroja de Whistler. Moi no espírito dos prerrafaelitas. Despois de todo, entón o artista era amigo dun dos principais iniciadores do prerrafaelismo, Gabriel Rossetti. Beleza, lírios, elementos pouco comúns (pel de lobo). Todo está como debe ser.

Pero Whistler rapidamente afastouse do prerrafaelismo. Xa que non era a beleza externa o importante para el, senón o estado de ánimo e as emocións. E creou unha nova dirección: o tonalismo.

As súas paisaxes nocturnas ao estilo do tonalismo parecen realmente música. Monocromo, viscoso.

O propio Whistler dixo que os nomes musicais axudan a centrarse na propia pintura, liñas e cor. Ao mesmo tempo, sen pensar no lugar e nas persoas que se representan.

Tonalismo, así como próximo a el impresionismo, a mediados do século XIX, o público tampouco quedou impresionado. Demasiado lonxe do realismo popular na época.

Pero Whistler terá tempo para esperar o recoñecemento. Ao final da súa vida, o seu traballo será comprado de boa gana.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt naceu nunha familia acomodada. Podería vivir unha vida despreocupada. Casar e ter fillos. Pero ela escolleu un camiño diferente. Dándose a si mesmo un voto de celibato por mor da pintura.

Ela era amiga Edgar Degas. Chegou o mércores impresionistas, levada para sempre por esta dirección. E a súa “Niña nun sillón azul” é a primeira obra impresionista que viu o público.

Pero a ninguén lle gustou moito a imaxe. No século XIX, os nenos eran representados como anxos obedientemente sentados, con rizos enroscados e meixelas rosadas. E aquí hai un neno que está claramente aburrido, sentado nunha posición demasiado relaxada.

Pero foi Mary Cassatt, que nunca tivo os seus propios fillos, quen foi case a primeira en retratalos tan naturais como son.

Para ese momento, Cassatt tiña un serio "defecto". Era unha muller. Non podía permitirse o luxo de ir soa ao parque para pintar dende a natureza. Sobre todo para ir a un café onde se reunían outros artistas. Todos os homes! Que lle quedaba?

Escribe festas de té de mulleres monótonas en salas de estar con chemineas de mármore e xogos de té caros. A vida é medida e infinitamente aburrida.

Mary Cassatt non esperou o recoñecemento. Ao principio, foi rexeitada polo seu impresionismo e as pinturas supostamente inacabadas. Entón, xa no século XX, estaba marcadamente "desfasado", xa que o Art Nouveau estaba de moda (Klimt) e Fauvismo (Matisse).

Pero mantívose fiel ao seu estilo ata o final. Impresionismo. Pastel suave. Nais con fillos.

Por mor da pintura, Cassatt abandonou a maternidade. Pero a súa feminidade manifestábase cada vez máis precisamente en obras tan delicadas como Sleeping Child. É unha mágoa que unha sociedade conservadora a anteposta algunha vez a tal elección.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent estaba seguro de que sería retratista toda a súa vida. A carreira ía ben. Os aristócratas facían cola para ordenalo.

Pero unha vez que o artista cruzou a liña na opinión da sociedade. Agora cústanos entender o que é tan inaceptable na película "Madame X".

Verdade, na versión orixinal, a heroína tiña un dos bralettes omitido. Sargent "criouna", pero isto non axudou o caso. As ordes quedaron en nada.

Que obsceno viu o público? E o feito de que Sargent retratou á modelo nunha pose demasiado confiada. Ademais, a pel translúcida e a orella rosa son moi elocuentes.

A imaxe, por así dicilo, di que esta muller con maior sexualidade non é contraria a aceptar o cortexo doutros homes. Ademais, estar casado.

Por desgraza, detrás deste escándalo, os contemporáneos non viron a obra mestra. Vestido escuro, pel clara, pose dinámica: unha combinación sinxela que só poden atopar os mestres máis talentosos.

Pero non hai mal sen ben. Sargent recibiu a liberdade a cambio. Comezou a experimentar máis co impresionismo. Escribir nenos en situacións inmediatas. Así apareceu a obra "Carnation, Lily, Lily, Rose".

Sargent quería capturar un momento específico do crepúsculo. Así que só traballaba 2 minutos ao día cando a iluminación era correcta. Traballou no verán e no outono. E cando as flores murcharon, substituíunas por outras artificiais.

Nas últimas décadas, Sargent gustou tanto pola liberdade que comezou a abandonar os retratos por completo. Aínda que a súa reputación xa foi restaurada. Mesmo despediu rudamente a un cliente, dicindo que pintaría a súa porta con moito pracer que o seu rostro.

Os contemporáneos trataron a Sargent con ironía. Considerándoo obsoleto na era do modernismo. Pero o tempo puxo todo no seu lugar.

Agora a súa obra non vale menos que a dos máis famosos modernistas. Ben, moito menos o amor do público e non digamos nada. As exposicións coa súa obra sempre están esgotadas.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

É difícil imaxinar un artista máis popular durante a súa vida que Norman Rockwell. Varias xeracións de estadounidenses creceron coas súas ilustracións. Amándoos con todo o meu corazón.

Despois de todo, Rockwell retratou aos estadounidenses comúns. Pero ao mesmo tempo mostrando as súas vidas dende o lado máis positivo. Rockwell non quería mostrar nin pais malvados nin nais indiferentes. E non atoparás nenos infelices con el.

As súas obras están cheas de humor, cores suculentas e expresións da vida captadas con gran habilidade.

Pero é unha ilusión que o traballo foi entregado a Rockwell facilmente. Para crear un cadro, primeiro tomaría ata cen fotografías cos seus modelos para capturar os xestos correctos.

O traballo de Rockwell tivo un enorme impacto nas mentes de millóns de estadounidenses. Despois de todo, falaba moitas veces coa axuda dos seus cadros.

Durante a Segunda Guerra Mundial, decidiu mostrar polo que loitaban os soldados do seu país. Tendo creado, entre outras cousas, o cadro "Liberdade de querer". En forma de Acción de Grazas, no que todos os membros da familia, ben alimentados e satisfeitos, gozan das vacacións en familia.

Despois de 50 anos no Saturday Evening Post, Rockwell pasou á revista Look, máis democrática, onde puido expresar as súas posicións sobre temas sociais.

A obra máis brillante daqueles anos é "O problema co que vivimos".

Esta é a verdadeira historia dunha nena negra que foi a unha escola branca. Desde que se aprobou unha lei que establece que as persoas (e, polo tanto, as institucións educativas) xa non deberían estar divididas por liñas raciais.

Pero a ira dos habitantes non tiña límites. De camiño ao colexio, a nena estaba vixiada pola policía. Aquí está un momento tan "rutinario" e mostrou Rockwell.

Se queres coñecer a vida dos americanos cunha luz un pouco adornada (como eles mesmos querían vela), non deixes de mirar os cadros de Rockwell.

Quizais, de todos os pintores presentados neste artigo, Rockwell sexa o artista máis estadounidense.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

A diferenza de Rockwell, Wyeth non foi tan positivo. Recluso por natureza, non buscaba embellecer nada. Pola contra, representaba as paisaxes máis comúns e as cousas pouco salientables. Só un campo de trigo, só unha casa de madeira. Pero ata conseguiu ver algo máxico neles.

A súa obra máis famosa é Christina's World. Wyeth mostrou o destino dunha muller, a súa veciña. Estando paralizada dende a infancia, arrastrábase pola zona da súa granxa.

Polo tanto, non hai nada romántico nesta imaxe, como podería parecer nun principio. Se miras de preto, entón a muller ten unha delgadez dolorosa. E sabendo que as pernas da heroína están paralizadas, entendes con tristeza o lonxe que aínda está lonxe da casa.

A primeira vista, Wyeth escribiu o máis mundano. Aquí está a vella fiestra da casa vella. Unha cortina cutre que xa comezou a converterse en anacos. Fóra da fiestra escurece o bosque.

Pero hai algo de misterio en todo isto. Algunha outra mirada.

Así, os nenos son capaces de mirar o mundo cunha mirada sen pestaxear. Tamén o fai Wyatt. E estamos con el.

Todos os asuntos de Wyeth foron xestionados pola súa muller. Era unha boa organizadora. Foi ela a que contactou con museos e coleccionistas.

Había pouco romance na súa relación. A música tiña que aparecer. E converteuse nunha Helga sinxela, pero cunha aparencia extraordinaria. Isto é o que vemos en moitas obras.

Parece que só vemos unha imaxe fotográfica dunha muller. Pero por algún motivo, é difícil romper con el. Os seus ollos son demasiado complexos, os seus ombreiros tensos. Nós, por así dicir, esforzámonos internamente con ela. Loitando por atopar unha explicación a esta tensión.

Representando a realidade en cada detalle, Wyeth dotouna de maxia con emocións que non poden deixar indiferente.

O artista non foi recoñecido por moito tempo. Co seu realismo, aínda que máxico, non encaixa nas tendencias modernistas do século XX.

Cando os traballadores do museo compraron as súas obras, intentaron facelo en silencio, sen chamar a atención. Poucas veces se organizaron exposicións. Pero para envexa dos modernistas, sempre foron un éxito rotundo. A xente viña en masa. E aínda veñen.

Le sobre o artista co artigo O mundo de Christine. A obra mestra de Andrew Wyeth".

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock é imposible de ignorar. Cruzou certa liña na arte, despois da cal a pintura non podía ser a mesma. Demostrou que na arte, en xeral, pódese prescindir de límites. Cando coloquei o lenzo no chan e salpicei con pintura.

E este artista americano comezou polo abstraccionismo, no que aínda se pode rastrexar o figurativo. Na súa obra dos anos 40 "Shorthand Figure" vemos os contornos tanto da cara como das mans. E incluso comprensibles para nós símbolos en forma de cruces e ceros.

O seu traballo foi eloxiado, pero non tiñan présa en mercar. Era pobre coma un rato da igrexa. E bebeu sen vergoña. A pesar dun matrimonio feliz. A súa muller admiraba o seu talento e fixo todo para o éxito do seu marido.

Pero Pollock era orixinalmente unha personalidade rota. Desde a súa mocidade, das súas accións quedou claro que a súa sorte era a morte temperá.

Esta rotura como resultado levarao á morte aos 44 anos. Pero terá tempo para facer unha revolución na arte e facerse famoso.

E fíxoo nun período de dous anos de sobriedade. Puido traballar con froito en 1950-1952. Experimentou durante moito tempo ata que chegou á técnica do goteo.

Tendo un enorme lenzo no chan do seu galpón, andou ao seu redor, quedando, por así dicir, na propia imaxe. E pulverizar ou só verter pintura.

Estas pinturas pouco comúns comezaron a mercarlle de boa gana pola súa incrible orixinalidade e novidade.

Pollock quedou abraiado pola fama e caeu nunha depresión, sen entender por onde ir. A mortal mestura de alcol e depresión non lle deixou ningunha posibilidade de supervivencia. Unha vez púxose ao volante moi bébedo. Derradeira vez.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Só nun país con tal culto ao consumo, como en América, podería nacer a arte pop. E o seu principal iniciador foi, por suposto, Andy Warhol.

Fíxose famoso por tomar as cousas máis comúns e convertelas nunha obra de arte. Iso foi o que pasou coa lata de sopa de Campbell.

A elección non foi casual. A nai de Warhol alimentou ao seu fillo con esta sopa todos os días durante máis de 20 anos. Mesmo cando se mudou a Nova York e levou a súa nai consigo.

Despois deste experimento, Warhol interesouse pola serigrafía. Desde entón, tomou imaxes de estrelas do pop e pintounas de diferentes cores.

Así apareceu a súa famosa Marilyn Monroe pintada.

Producíronse unha infinidade de cores ácidas de Marilyn. Art Warhol puxo en marcha. Como era de esperar nunha sociedade de consumo.

As caras pintadas foron inventadas por Warhol por un motivo. E de novo, non sen a influencia da nai. Cando era nena, durante unha longa enfermidade do seu fillo, arrastroulle paquetes de libros para colorear.

Este pasatempo da infancia converteuse en algo que se converteu na súa tarxeta de visita e fíxoo fabulosamente rico.

Non só pintou estrelas do pop, senón tamén as obras mestras dos seus predecesores. Conseguíno e "Venus" Botticelli.

Venus, como Marilyn, fixo moito. A exclusividade dunha obra de arte é "borrada" por Warhol para pór en po. Por que fixo isto o artista?

Para popularizar antigas obras mestras? Ou, pola contra, tentar devalualos? Para inmortalizar as estrelas do pop? Ou condimentar a morte con ironía?

As súas obras pintadas de Madonna, Elvis Presley ou Lenin son ás veces máis recoñecibles que as fotos orixinais.

Pero é improbable que as obras mestras sexan eclipsadas. De todos os xeitos, a "Venus" primordial non ten prezo.

Warhol era un ávido á festa, atraendo a moitos parias. Drogodependentes, actores fracasados ​​ou só personalidades desequilibradas. Un dos cales disparoulle unha vez.

Warhol sobreviviu. Pero 20 anos despois, polas consecuencias dunha ferida que sufrira no seu día, morreu só no seu piso.

Crisol dos Estados Unidos

A pesar da curta historia da arte americana, a gama é ampla. Entre os artistas estadounidenses hai impresionistas (Sargent), e realistas máxicos (Wyeth), e expresionistas abstractos (Pollock) e pioneiros da arte pop (Warhol).

Ben, os estadounidenses adoran a liberdade de elección en todo. Centos de denominacións. Centos de nacións. Centos de direccións artísticas. Por iso é o crisol dos Estados Unidos de América.

*Tonalismo: paisaxes monocromas de tons grises, azuis ou marróns, cando a imaxe está coma nunha néboa. O tonalismo considérase unha rama do impresionismo, xa que transmite a impresión do artista do que viu.

***

Comentarios outros lectores Ver abaixo. Moitas veces son unha boa adición a un artigo. Tamén podes compartir a túa opinión sobre o cadro e o artista, así como facerlle unha pregunta ao autor.

Versión en inglés do artigo